Voici les 8 albums de métal préférés de tous les temps de Lars Ulrich

Lars Ulrich, membre emblématique de Metallica, est souvent critiqué. De son fameux procès contre Napster à la détérioration présumée de ses compétences de batteur, le membre le plus vocal de Metallica a malheureusement été dépeint comme le méchant au fil des décennies. Quoi que l’on puisse dire sur Lars, il aime toujours le métal et s’engage pleinement pour lui. De Deafheaven à Turnstile, en passant par les groupes émergents comme Fugitive et 200 Stab Wounds, qui ont ouvert les concerts de Metallica lors de leur tournée estivale au Texas, Lars reste attentif à la musique agressive et souterraine. Dans une interview avec Rolling Stone, Lars a révélé qu’il avait un excellent goût pour le métal à travers les décennies. Voici quelques-uns de ses albums de métal préférés de tous les temps, avec des explications sur les raisons de son choix.

Diamond Head : Lightning to the Nations

Diamond Head “Lightning to the Nations” est un album fondateur du mouvement de la New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM) de la fin des années 1970 et du début des années 1980. Sorti en 1980 en tant qu’album autoproduit, sa puissance brute et sa guitare novatrice ont eu une influence considérable sur les futurs groupes de métal, notamment Metallica, qui a repris plusieurs titres de cet album.

Des chansons comme “Am I Evil ?” et “The Prince” sont célèbres pour leurs riffs révolutionnaires et restent des hymnes du genre métal. “Lightning to the Nations” témoigne de la contribution significative mais parfois sous-estimée de Diamond Head à l’évolution du heavy metal. Selon Lars :

“Si vous devez nommer un album qui est la base du son de Metallica, c’est celui-ci. Je l’ai dit mille fois, je l’ai dit dix mille fois”.

System of a Down : Toxicity

“Toxicity” de System of a Down est un album phare du début des années 2000, mêlant métal agressif et influences musicales diverses ainsi que des paroles provocantes. Sorti en 2001, l’album a rapidement été acclamé par la critique et a connu un succès commercial, ce qui a assis la place du groupe dans les annales du rock moderne.

Des chansons comme “Chop Suey!” et le titre éponyme “Toxicity” ont montré la capacité du groupe à combiner des instrumentaux féroces avec des commentaires pertinents sur les problèmes de société. Abordant des thèmes allant de l’introspection personnelle aux troubles politiques, “Toxicity” reste un album emblématique qui capture un moment unique dans le paysage du métal alternatif.

Voici pourquoi Lars l’a choisi :

“Le premier album de System est sorti et il avait évidemment beaucoup d’attitude. C’était un nouveau genre de son, et Rick [Rubin, producteur] s’en occupait. Vous pouviez entendre que la musique venait de différentes influences et je ne savais pas qu’ils étaient arméniens à ce moment-là ; vous pouviez simplement entendre des choses différentes. Et puis, quand “Toxicity” est sorti, qui était évidemment le deuxième album, quand vous avez entendu “Chop Suey!”, c’était juste incroyable… c’est tout simplement l’un des meilleurs albums de tous les temps”.

Motörhead : Overkill

“Overkill” de Motörhead est un album emblématique qui a joué un rôle déterminant dans la formation du son du heavy metal et du punk à la fin des années 1970. Sorti en 1979, il a mis en valeur la puissance brute et la vitesse qui allaient influencer les futurs mouvements du thrash et du speed metal.

Le titre “Overkill”, avec son jeu de double grosse caisse implacable, est devenu un moment clé pour le groupe et le genre. La voix rocailleuse de Lemmy Kilmister et l’approche musicale agressive du trio ont fait de “Overkill” un classique intemporel dans les annales du rock lourd.

Selon Lars :

“Motörhead était le seul groupe où, que vous aimiez le rock, le prog, le pop, le punk, je ne sais pas, le ska… vous pouviez être d’accord que Motörhead était tout simplement le plus cool. Et, pour moi, l’album définitif de Motörhead est “Overkill”.

Alice In Chains : Dirt

Le classique “Dirt” d’Alice In Chains est une œuvre fondatrice du mouvement grunge/hard rock du début des années 1990. Sorti en 1992, il met en valeur le mélange caractéristique du groupe entre harmonies envoûtantes, riffs de guitare lourds et paroles sombres et introspectives. Des morceaux comme “Rooster” et “Down in a Hole” mettent en évidence la capacité du groupe à exprimer une profonde douleur émotionnelle et des luttes.

“Dirt” a non seulement solidifié la place d’Alice In Chains dans l’histoire du rock, mais a également abordé des thèmes sérieux tels que la dépendance, la dépression et la guerre. Est-ce un album “metal” ? De par son attitude, son esthétique et son sujet, nous pourrions le considérer comme tel.

Selon Lars :

“J’ai découvert Alice In Chains lorsque leur premier album est sorti à l’été 1990. Nous étions à Los Angeles, en train d’enregistrer le Black Album, et nous les voyions dans tous les bars et clubs de la ville. C’étaient des gars super sympas – jeunes, faciles à vivre, amusants, un peu excentriques. Je ne comprenais pas pourquoi ils portaient des sous-vêtements longs sous leurs chemises. Ils avaient un look totalement différent que nous n’avions jamais vu auparavant avec des chemises à carreaux et c’était cool.

Et leur musique était tout simplement si lourde et avait tellement d’attitude. Ensuite, quand “Dirt” est sorti, quoi, deux ans plus tard, c’était un album si sombre, si profond. À cette époque, nous n’étions pas confrontés à beaucoup de toxicomanie à ce niveau-là ; nous buvions beaucoup et la plupart des choses que nous faisions se passaient dans un contexte plus social et festif. Nous n’étions pas très familiers avec toute la culture de la drogue, qui était dissimulée dans les placards et les chambres d’hôtel.

Les gars qui étaient vraiment dans les drogues dures n’étaient pas très sociaux, donc je ne faisais pas vraiment le lien au début avec cet album. Je ne comprenais pas toutes les références aux drogues, mais au fur et à mesure que je faisais mieux connaissance avec les gars et que je comprenais mieux les albums, le poids lyrique de l’album m’a frappé”.

Iron Maiden : The Number of the Beast

“The Number of the Beast” d’Iron Maiden est un pilier dans le monde du heavy metal, reconnu pour son contenu révolutionnaire et son influence sur les groupes de métal ultérieurs. Sorti en 1982, c’était le troisième album studio du groupe et le premier à inclure le chanteur Bruce Dickinson, marquant le début d’une ère légendaire pour le groupe.

Des morceaux comme “Run to the Hills” et la chanson titre “The Number of the Beast” mettent en valeur la virtuosité musicale du groupe, la puissance vocale de Dickinson et une narration évocatrice. Aujourd’hui, il reste une œuvre phare, souvent classée parmi les plus grands albums de heavy metal de tous les temps.

Selon Lars :

“Pour moi, c’est Iron Maiden à son apogée. Il a les meilleures chansons, la meilleure production… J’ai toujours été très ouvert sur la façon dont Iron Maiden a inspiré Metallica. Nous les citons toujours comme une influence majeure. Ils étaient tout simplement plus cool que les autres groupes. Ils avaient des pochettes d’album plus cool, des emballages plus cool, des livres de tournée plus cool, des t-shirts plus cool, une production scénique plus cool. Ils semblaient toujours aller au-delà. Ils avaient des installations d’éclairage plus cool. C’était le groupe le plus proche des fans. Je me souviens qu’un de mes amis a reçu une carte de Noël d’Iron Maiden et, genre, Eddie était sur une carte de Noël. Ils avaient cette image qui était folle et vraiment cool et qui était beaucoup plus conviviale et complète que celle des autres groupes”.

Judas Priest : Unleashed in the East

“Unleashed in the East” de Judas Priest est un témoignage des performances électrisantes en direct du groupe et de leur influence monumentale dans le royaume du heavy metal. Sorti en 1979, cet album live a capturé les titans britanniques du metal à leur apogée, offrant des interprétations de leurs morceaux classiques avec une énergie inégalée.

Des chansons comme “Exciter” et “The Ripper” prennent vie avec les vocaux puissants de Rob Halford et l’attaque de guitares en duo de K.K. Downing et Glenn Tipton. ‘Unleashed in the East’ a non seulement solidifié la réputation de Judas Priest en tant qu’un des actes live les plus redoutables, mais a également mis en évidence leur rôle pivot dans la formation du genre metal. Selon Lars :

“C’est Judas Priest à leur apogée précoce. Avec beaucoup de groupes de rock plus durs et européens, il est venu un moment où ils voulaient percer le marché américain et ont commencé à écrire des singles – des chansons plus courtes – et pas nécessairement de manière négative, mais certains ont commencé à s’éloigner de leur point d’origine. C’est simplement Judas Priest à leur meilleur absolu en situation live, avant les tubes…

Cet album est sorti en 1979 mais tout le son a commencé en ’76, ’77, ’78. Ces gars-là étaient bien en avance sur le jeu. Pour moi, c’est toujours le meilleur album de Judas Priest que vous puissiez trouver.”

Mercyful Fate : Melissa

“Melissa” de Mercyful Fate est une œuvre phare dans le royaume du heavy metal, particulièrement remarquable pour son introduction de paroles théâtrales à thème occulte et son atmosphère. Sorti en 1983, il est considéré comme un album pionnier dans les mouvements du black metal précoce et du rock occulte.

La voix distinctive en falsetto de King Diamond, associée au travail de guitare complexe et hanté, distingue des morceaux comme “Evil” et “Curse of the Pharaohs” des sorties contemporaines. “Melissa” a depuis été salué comme un classique influent, posant les bases pour de nombreux groupes de metal qui exploreraient des thèmes plus sombres et ésotériques. Selon Lars :

“Mercyful Fate était évidemment un groupe significatif et pivot sur notre radar. Ils ont joué un grand rôle dans la formation du son de Metallica, et pour beaucoup de gens dans l’underground du hard rock, c’étaient l’un des groupes qui faisaient parler d’eux. C’était leur premier album proprement dit. Cela a été une énorme, énorme influence sur beaucoup de groupes de la génération suivante, comme le nôtre, et ils étaient également de grands amis et sont devenus des complices.”

Rage Against the Machine : Battle of Los Angeles

“Battle of Los Angeles” sonne tout simplement tellement authentique. Il n’y a pas de filtre. Cela semble si instinctif, impulsif et viscéral. Jusqu’à ce moment-là, beaucoup d’albums de hard rock étaient très travaillés, y compris les nôtres. Beaucoup de travail était investi dedans, et cela semble simplement être quatre personnes qui jouent de la musique dans une pièce, prêtes à affronter le monde.

Et la cohérence est tout simplement incroyable. Il y a “Testify”, “Calm Like a Bomb”, l’un des grands morceaux profonds, “Sleep Now in the Fire” et des morceaux plus profonds, plus profonds comme “Voice of the Voiceless” – c’est tout simplement fou. Et quand Zack [de la Rocha] te crie dessus, on dirait qu’il est en train de te parler en face, directement. Tous les grands albums ont cette chose où tu as l’impression qu’il est pour toi, qu’il te parle directement.”