Quand un supergroupe Grunge des années 90 tient ses promesses
Reconnaissons-le – la plupart des supergroupes sont décevants. Il y a souvent un niveau d’attentes impossiblement élevé placé sur un nouveau groupe de musiciens issus de groupes déjà populaires. Les fans s’attendent à ce que la somme de ces parties soit encore meilleure que leurs autres projets musicaux – presque divins en fait.
Mais une fois de temps en temps, un supergroupe parvient à exploiter leurs talents individuels dans une chimie collective magique qui fonctionne tout simplement.
Mad Season : le supergroupe Grunge emblématique des années 90
Et c’est là que nous entrons dans Mad Season, le supergroupe Grunge emblématique composé de membres de Pearl Jam, Screaming Trees et Alice in Chains. Bien que le groupe n’ait duré que 6 mois, joué 6 concerts et produit un seul album, “Above”, en 1995, l’album était tellement bon qu’il est considéré comme un classique alors qu’il approche de son 30e anniversaire.
Les principaux membres comprenaient Layne Staley, la voix distinctive d’Alice in Chains, en tant que chanteur principal, et Mike McCready de Pearl Jam, qui a montré son talent à la guitare. Barrett Martin, le batteur de Screaming Trees, et John Baker Saunders, un musicien de la scène blues de Chicago, ont contribué à la section rythmique.
L’album “Above” est une exploration poignante de thèmes tels que la dépendance et la récupération, sur fond de paysages sonores Grunge rugueux et évocateurs. Malgré son sujet sombre, McCready a expliqué que l’une des motivations initiales derrière la formation du groupe était de trouver un débouché créatif sain en dehors des drogues et de l’alcool :
“C’était l’une des intentions initiales de ma part. Je voulais certainement aider Layne et Baker. Et moi aussi, en réalité. Nous étions tous sur le chemin [de la sobriété] ensemble. Malheureusement, cela n’a pas marché pour tout le monde. Mais c’était l’intention, au départ. Ça, et jouer de la musique, bien sûr.”
Barrett Martin a fait écho aux intentions de McCready : “Nous voulions tous arrêter de boire et de prendre des drogues. Mike et Baker venaient de sortir de désintoxication, j’avais arrêté de boire. Et vous savez comment ça se passe, vous construisez ce réseau de soutien mutuel, car tout le monde est sobre, travaille ensemble et en parle. Vous devez également être capable de rire de toutes les absurdités dans lesquelles vous vous êtes embarqué. Et il y avait en fait une atmosphère de soutien bonne et légère lors de cette première session de jam.
Je me souviens que tout le monde se sentait bien et riait. C’était pendant cette période de lune de miel où vous êtes nouvellement sobre, et vous vous dites : ‘Wow, il y a tout un monde dont j’ai été exclu’.”
Même Staley semblait partager l’excitation de cette vision, malgré ses propres luttes : “Je ne sais pas exactement ce qui se passait avec Layne, mais je sais qu’il était heureux et qu’il avait l’air bien, et qu’il était très excité de faire un projet parallèle car il avait toujours fait partie d’Alice In Chains. Il voulait faire quelque chose de différent. Je pense qu’il voulait écrire ses propres paroles et voir ce qu’il pouvait faire par lui-même.”
Le premier single de l’album, “River of Deceit”, a connu un succès à la radio et a résonné auprès des auditeurs, contribuant à la certification de l’album en tant que disque d’or.
Le titre de l’album “Above” tire son nom de la chanson “I’m Above”, et l’art de l’album présente un dessin basé sur une photographie de Layne Staley et de son ex-fiancée, Demri Lara Parrott, ajoutant une touche personnelle et intime à la présentation globale de l’album.
Alors que l’album a suscité l’appréciation et les éloges, il est également le témoin des vies tumultueuses de ses créateurs. Il est imprégné de douleur, de lutte et d’introspection, reflétant les batailles personnelles auxquelles les membres du groupe étaient confrontés, en particulier Staley, qui luttait bien sûr tragiquement contre une dépendance à l’héroïne dévastatrice qui lui coûtera plus tard la vie. Cette représentation brute et sans fard de l’émotion se traduit par un album intemporel, aussi pertinent et puissant aujourd’hui qu’à l’époque de sa sortie.
